油画美术作品分析范文 第一篇
浅谈民间美术色彩对油画创作的启示
摘要：民间美术的色彩语言是当代油画创作中的宝贵源泉，中国民间艺术为油画创作提供了丰富的养料，将民间美术的精髓发扬光大，从而增强民族自信心、自尊心及民族凝聚力，必将打开当今油画创作的新局面。
关键词：民间色彩;油画创作;启示
民间美术的色彩语言是当代油画创作中的宝贵源泉，对于其色彩元素的挖掘探索，有助于激发创作灵感，有助于色彩语言对本土油画创作思路的开启，具有重要现实价值。首先，吸取民间美术中的营养不但可以实现当代油画作品的创新要求和审美需求，而且可以促进民族化、本土化油画的发展;其次，在油画创作中运用民间美术的色彩语言，有利于保护和发展民间美术，弘扬民族文化精神;再次，研究民间美术在油画创作中的应用，必定能促进当代油画创作本土化理论向纵深发展，对中国当代油画创作起到里程碑的作用。
1 油画创作研究及其现状分析
距今400年前，意大利xxx士利玛窦等人来华传教，把欧洲油画作品带进中国。油画在中国经历了几个世纪的发展，当代油画呈多流派多姿态发展趋势，但艺术商品化的趋向越来越明显，商业对于油画艺术起着过多的干预和引导作用。人们忙于赚钱的同时，只顾标新立异，推陈出新，中国油画艺术在这种环境中发展着。取得的成绩是瞩目的，但仍然有一些问题存在着。
缺乏民族性
油画这颗种子已然在中华文化这篇肥沃的土地上生根发芽，从世界的范围的全局来审视目前中国当代的油画创作，不难发现民族特色的元素在当代油画创作中是相对匮乏的。我国目前油画作品大部分同出一辙，民族个性表现不足，其原因是受西方绘画思想的影响，照搬甚至抄袭西方的形式太多，画家没有立足本土语言，不懂得运用富有民族文化特征的表现方式和手段来创作，因此油画作品普遍存在着缺乏民族特点和民族文化特色的现象。“洋为中用，古为今用”不无道理，中国油画创作要想异军突起，必须以中国人自己的语言、方式去表现中国人自己的作品，并广为传播，使之发扬光大。
绘画技术与艺术舍本求末
技术形式的多种多样是值得提倡的，技术上的成熟所带来的艺术上的成功也是显而易见的，但技术是一把双刃剑，它在跟人类带来巨大便利的同时，弊端也会接踵而至。各种各样的绘画方式、材料技法在一次次的大型美展中令我们大饱眼福，绘画的目的是要令我们享受艺术性而非技术性，技术不过是绘画的手段，而艺术才是目的，而当今对技术的崇拜热情大大的盖过了对艺术的崇拜。
油画作为西方绘画的主要形式，经过艺术家们多年的探索，当代油画得到了公众一定程度上的认可和喜爱，当代油画势头发展迅猛，在当今这个百花齐放的年代，各种油画样式不断出现，当代油画家越来越注重从民间艺术形式(尤其是色彩中)摄取营养。
2 民间色彩元素的特征
装饰性
民间艺人色彩的运用上表现出单纯、明快、纯净、装饰性的色彩特征，民间美术的审美上，侧重于质朴与和谐，色彩边角都透露出装饰的趣味性，整体的感觉是既大胆又讲究，既艳丽红火而又组织有序，利用色彩强烈的补色，高纯度色相的对比原则，取得饱满的色彩视觉心理效果。
主观性
中国民间美术的色彩主要是根据各个民族的生活环境、审美情趣、民俗等各个方面的因素决定的，其总体趋势是大红大绿，老百姓认为大红大绿代表着吉祥如意，同时是一种积极热烈的视觉心理反映，色彩在民间美术中具有主观性特征，民间艺人不按照西方色彩规律和自然中的真实来上色，主要是凭着自己的感觉，民间艺人眼中的世界天可以是绿的，水可以是红的，大地可以是紫的。西方印象派的大师梵高、塞尚等人就着力于主观运用色彩，描绘心中向往的色彩。
象征性
在以《周易》・阴阳五行为基础形成的中国传统哲学观念的影响下，色彩被纳入阴阳五行学说的理论体系，形成色彩的青・白・赤・黑・黄五色，此五种颜色有高下等级的划分和特殊的象征意义，有的颜色还有严格的使用禁忌?色彩最能吸引人奇特的想象，例如京剧脸谱中黑为刚正不阿，白为阴险狡诈，红色为忠勇侠义，蓝色为刚强阴险，黄色为勇猛而爆躁等。民间美术中色彩是一种心理暗示，色彩可以表示大吉大利，祈福迎祥，描绘人物性格本质。色彩超出了自然本质。
3 民间美术色彩在油画创作的应用
主观性色彩在油画创作的应用
西方立体主义大师xxx的作品，其中色彩大都单纯、明快、纯净，整体风格极具装饰性特征，其中大型的军事题材壁画《格尔尼卡》，其中只运用了单纯的黑、白、灰三色，具有强烈、明快、单纯、质朴的美感特质和感染力，而这种感染力中国传统黑白木刻也能达到这样的艺术层次。当今很多油画艺术家为了得到理想的画面效果，在当今这个标榜个性的年代，主观色彩的表达成为了艺术家实现绘画理想的主要途径。随着社会的发展，油画作为一种越来越为人们接受的一种绘画形式，其商业价值也与日俱增。人们在选择绘画作品时，“吉祥如意”是决定人们喜恶的首要标准，民间美术色彩中的色彩大都含有吉祥喜庆的寓意，由于艺术上的相通性，使民间美术的色彩与油画创作的中的主观色彩产生了相互借鉴的机遇，油画创作完全可以从民间美术色彩丰富的土壤中汲取养料，从而为油画打上民族化的烙印。民间美术中的主观性色彩是人民大众在生活中总结出来的，体现了人民大众的精神需求，给予了我们油画创作灵感的启迪。
艳丽和谐的色彩对油画创作的启示
民间美术的色彩运用补色、高纯度的色相对比原则，色彩艳丽但不失和谐。大众喜爱的色彩，往往是比较单纯的颜色，不同程度的色相对比，可以满足大众对色彩的不同审美要求。补色在民间美术中运用广泛，例如宗教意味浓厚的西藏唐卡，装饰性强的户县农民画，都充分体现了我国人民朦胧的补色感知。中国油画虽然是借鉴西方绘画的一种绘画形式，但西方印象派大师梵高、莫奈等人，运用强烈的对比色彩描绘空气和大自然，我们中国民间美术的色彩丝毫不输西方，现当代很多画家喜欢明亮的色彩完全可以从民间美术的对比色中吸取经验。中国民间美术的设色规律与西方主张奔放的用色极为相似，十分为现当代油画创作所用。
色彩象征意义对油画创作的启示
民间美术色彩的形成是对于历史文化内容、人文精神的高度提炼，民间美术本身是伴随生产活动和民族习俗而存在的，它表达的是人们对生活的美好愿望，对未来的期望。由于文化的差异，色彩所传达的含义也是不一样的，在油画创作上如果我们一味秉承西方绘画理念那必将有失民族化个性，失去赖以生存的文化空间。现代油画创作应充分考虑民间美术的色彩象征意义，可以使用象征意义来表达概念，使人的情感和色彩在画面上交融出来，产生表达民族精神的绘画品质。
综上所述，中国民间艺术为油画创作提供了丰富的养料，在强调绘画个性的艺术世界里，强调民族个性不容小觑，我们不能单纯的描绘民间美术色彩的表象，透过现象看本质，才能创造出具有民族精神的油画，从而达到既民族又国际的绘画效果，将民间美术的精髓发扬光大，从而增强民族自信心、自尊心及民族凝聚力。
4 结束语
作为当代油画绘画专业一名学生，应充分利用好这一有利条件，绘画个体是需要依附于主体而存在的，我们的民族主体蕴含着巨大的能量，单纯的依附西方绘画知识是难以生存的，立足于自己的根本，才可以在绘画这条道路上有所作为。
参考文献：
[1] 孙建君.中国民间美术史教程[M].天津人民出版社，20_.
[2] 靳之林.中国民间美术[M].北京：五洲传播出版社，20_.
[3] xxx举，闫平.色彩印象语言[M].上海书画出版社，20_.猜你喜欢：
油画美术作品分析范文 第二篇
浅谈民族民间美术色彩对现代中国油画的影响
摘要：民族、民间艺术是劳动人民在劳动过程中，用他们的智慧创造的富有生命力的艺术，它融于人们的衣食住行、节日风俗、人文礼仪和信仰禁忌之中。是民族民间文化的活化石，是历史文化的重要组成部分。从油画民族化的角度出发，对于传统文化的借鉴和运用，有着多种多样的方式和途径，而对民间艺术的吸收与转化即是其中之一。我国的民间美术色彩对现代中国油画影响表现在以下几个方面。
关键词：民间;美术色彩;中国油画
一、民间美术色彩的装饰性对现代中国油画的影响
装饰性是我国的民间美术色彩主要特征之一，特别是装饰节日的民间年画作品，其设色是极富代表性的，用色艳丽浓烈、丰富鲜明，突出吉祥喜庆、红火热闹的气氛。民间陶瓷色泽浓丽，色彩采用单色平涂，画工精细，用色具有强烈的装饰性。
我国的著名油画家刘秉江的油画，他所画的油画大多数都具有很强的装饰性和民族民间艺术气息。最具代表性的是他1986年获法国ARTS TIQUE DULYS沙龙奖章油画《会舞蹈的裸女》，整个画面都是以红、绿、蓝、黄等颜色交替布局，颜色艳丽非常具有装饰感。背景也犹如一幅中国民间刺绣的地毯，大都有用民族图案来装饰更增加了民族文化的氛围和浓郁的地域色彩。刘秉江的画大多都应用了许多强烈、丰富的色彩，搭配得完美和谐、自然生动，把画面表现得栩栩如生，装饰性极强，给人带来丰富的视觉效果，还有很多油画家象罗尔纯等对色彩的利用都极富装饰性。
二、民间美术色彩的象征寓意性对现代中国油画的影响
色彩是具有象征性的。当人们看到某种色彩的时候，往往联想到某种具体的事物，例如:人们看见绿色，往往联想到草原、森林等，会产生自由、蓬勃的感觉。红色使人联想起太阳、血液、火焰，象征着喜悦、热情，红色是中国人最为喜爱的色彩。在长期的社会生活中，中国民众对五色赋予了特殊的情感和象征意味，五色成为一种象征性的符号一直沿用至今，形成了民间色彩最典型的象征寓意性特征。红色、黄色代表着喜庆，代表着皇权。中国明清皇家建筑以红黄为主色调，其庄严、华贵、震慑的色彩象征意义不言而喻。平民百姓日常生活中所用的红纸喜字、红棉袄、红蜡烛、红春联、红鞭炮、红寿字、红布鞋都说明了红色作为喜庆的象征。
京剧脸谱中的色彩运用也是象征性的符号。我们可以从用色口诀“红色忠勇白为奸，黑为刚直青勇敢;黄色猛烈草莽蓝，绿是侠野粉老年;金银二色色泽亮，专画妖魔鬼神判”中体会象征的意味，我国的民间艺人在对作品色彩象征性的运用中提炼出很多经典语录。
油画家砂金先生的许多作品称为《游春系列》，其实应该称为《马的系列》。马，是内蒙古草原的精灵和象征。游春系列——白色的马，在童年的一片黑沉沉中，梦里一匹乃曼其的白马，飞鬃疾驰而来，像透过黑色地平线的一朵白云，像一颗流星般的游弋火焰。他的作品大多用色都比较艳丽简单对比强烈给人一种冲击感，而画面中的马象征意味浓烈。青年美术家李学峰。他的《吉祥蒙古——博克系列》这一系列的油画都是以大红作为背景大绿大蓝作为人物颜色，这种强烈的对比给人视觉上无比猛烈的冲击，但仔细看整个画面的颜色布局和人物造型，却又释放出让人感到喜庆舒服的气息。这两位画家都从阴山岩画，寺庙壁画中吸取和借鉴民间艺人色彩象征性手法的运用。其他象画家钱流，顾黎明等都在这方面进行大胆实践，画出了一大批优秀作品。
三、民间美术色彩的主观表现性对现代中国油画的影响
由于民间的普通老百姓没有经过正规的色彩教学训练，所以在创作作品时，色彩的搭配不依存事物的表象而凭着自己主观的内心感受大胆变色。老百姓中流传着一句口头禅：“红红绿绿，图个吉利”，这句话作为一般的民间美术的用色要诀，道出了整个民间美术的色彩特征。“图个吉利”是传统民间文化的审美观，体现了色彩的主观性;“红红绿绿”是色彩的视觉观感，是一种积极的、热烈的视觉心理反应，同时也是吉祥、喜庆的象征性语言。艺人们从实际感受出发，从人生实际的层面来阐释“吉利”所包含的意义。在广大民众心目中，吉利总是和得子、意寿、纳福招财、避邪消灾等基本生活需要和世俗意愿交织重叠在一起的。传统年画也有类似的配色口诀“红兼黄，喜煞娘”“红陪绿，看不够”“要求扬，一片黄”等都体现了这种心理，画面色调处处充满了主观的浪漫色彩气息。在中国传统建筑雕梁画柱中，在屋檐下的民间故事描绘中，在壁画，泥塑等艺术作品中对色彩的运用大胆而主观。
现代也有很多的油画家如：陈钧德《净云高秋冬》就以红绿、蓝橙、紫黄等高纯度高明度的补色来表现。顾黎明的《神茶——线版，黄色版》就以大面积偏冷的灰色来衬出小面积张扬的黄色，在视觉上给人强烈冲击。老一辈油画家沙耆，吴大羽等在这方面都有巨大成就。
四、民间美术色彩的地域差异性对现代中国油画的影响
民间美术的形成和发展受地域性影响，受地缘因素、生产及生活因素的制约，由此而形成地域风貌。俗话说“十里不同俗”，我们的祖国地大物博，东南西北的地理、气候、环境、物产差异极大，各民族有各自的节日和习俗，文化形态的发展也千差万别，所以产生的民间美术也丰富多彩。色彩作为民间美术的表现形式之一，从而也随着地域不同具有独特的地方特色。各少数民族都有自己的色彩喜好，对本民族的油画家的影响也是巨大的，这些画家在本民族文化传统中吸取营养，形成自己独有的艺术语言。内蒙古的妥木斯，西藏的尼玛泽仁，新疆的克里木，云南的乔晓光等。
综上所述，民间美术色彩是一种文化语言，历代传承的色彩选择习俗赋予民间色彩独特风格，是供人愉悦的色彩，富有深刻的文化意蕴和丰富的历史内容。这些共性影响到了现代一大部分的油画家。除了文章中有提到的还有吴冠中、xxx群、赵无极等知名人物。这些油画家们充分利用到了民族民间色彩，体会到其中强大的财富用自己的语言和方法来表现出自己内心的感受。大部分人都能够从画面感受到艺术家的内心。这种民族气息就是人们的共鸣点。那么这些艺术家也会取得成功，也会走得更远。对民间美术色彩特征的研究是我们进一步深刻了解古代美术、继承发展民族美术非常有用的价值，特别是今天绘画艺术正向多元化的趋势发展，使得油画和民族民间色彩需相互渗透和借鉴，这对现代油画家们就更加重要了。
参考文献：
[1]吴静宏.浅谈中国民间美术色彩特征[J].美术大观,20_.
[2]靳之林.中国民间美术[M].五洲传播出版社,20_.
[3]伊琰.浅谈我国民间美术[J].安阳师范学院学报,20_,(3).
油画美术作品分析范文 第三篇
一、油画肌理的美感特征
二、油画肌理的表现形式、方法
油画肌理的表现形式、手法可以说是多种多样的，但主要有隐性肌理和显性肌理。隐性肌理需要借助一些必要的工具来发现，显性肌理在正常光线下能给人一种视觉效果的肌理。油画肌理的其他表现形式大致可以分为意象肌理、抽象肌理、具象肌理、材料肌理等。意象肌理广泛用于油画的创作之中，将绘画的本质特征进行提炼，转换为油画善于表达的语言。抽象肌理是不再现所要表达的绘画对象，而是绘画者通过自己的理解、组织将其转化成另外一种表现手法，是一种抽象画的表现元素。具象肌理真实地反映绘画的对象形制，其肌理形式是如实地表现出纹理的视觉特征。油画具象肌理在写实主义里表现的比较多，也会借用其他材质来增加其质感的表现形式。材料肌理是利用不同材料的物理属性来表现的物理属性，所关注的是使用材料本身的特性。油画的表现方法有三种：直接绘画法、边画边做肌理、先涂底再绘画。直接绘画法是最传统的绘画方法，其绘画肌理效果也是最常见的。在绘图过程中肌理表现自然流畅，其肌理效果不会借助其他工具和材料；边画边做肌理是表现比较厚重感的画面时常用的方法。先画一层，再用画笔或刮刀涂上一层颜料，通过这种手法达到一种厚重的油画肌理；先涂底再绘画，一般是先用一些凝固快的材料来做底，如丙烯、立德粉等，待底料干后再绘图。
三、油画创作过程中肌理的运用
笔者在油画创作过程中也会运用一些肌理来增加油画的质感，但是总体目的就是使得画面形成一种整体关系。绘画时，在传统油画的肌理效果基础上进行肌理制作更是自由，可以不断尝试利用各种新材料、新技法来制作油画肌理。不过这些都源于制作肌理的材料多样化，如赤铁粉、锯末、玻璃、石灰粉等均有使用。多种多样的材料可以说绘出了千变万化的油画肌理效果。例如，笔者在油画创作实践中，使用丙烯或丙烯塑形膏和优化颜料一起制作画面肌理效果，由于丙烯易干，在创作时还可以在颜料里面掺入沙子、锯末等材料制作更夸张的肌理效果，以求得之前创作时未得到的油画肌理效果。综上所述，在油画创作中肌理是一种重要的绘画语言。笔者在绘画创作中，通过利用新材料、表现手法使作品更具有奇特的肌理效果，注重突出艺术精神内涵。笔者认为，在创作过程中，除了自己熟练掌握一些肌理处理方法外，还要时刻汲取传统艺术的精髓，要学会不断和自己的创作相融合。油画虽然是从西方传入中国的，但是通过国人的不断学习、创新、改进，已经有很多优秀的、独特的绘画作品被创作出来。
油画美术作品分析范文 第四篇
傍晚，天空上飘起了红丝绸，那湛蓝的天空晕上了淡淡的红晕，就连清澈的溪水也泛起了点点红波。归鸦急急匆匆朝窠里飞去，风将太阳吹下了山，人们陆陆续续赶回了家。
不知是哪位顽皮的孩子打翻了黑墨水，已是深红的天空逐渐变成了深黑。爱美的小姑娘拿来了亮片，撒在天空上。我将月亮贴在天空上，躺在月下看星星。
风像一个醉汉跑来跑去，我们冷得直哆嗦，站起来跑回了家。树叶摇曳着，月亮升得高高的，勉强可以看到暗黄的菜地，像有一块大黑布盖在上面。淡淡云纱衬托起月亮，好不漂亮。我们坐在床上，窗户是画框，月夜是油画，我们欣赏油画。
“你们知道月亮里住着谁呀？”外婆问。
“我知道，我知道，是嫦娥！”我兴奋地说。
“我还知道，嫦娥有只玉兔！”姐姐骄傲极了。
夜深了，我们不舍地盖上了被子。可一听外婆说谁先睡着明天有糖吃，便迅速入梦了。梦里，我看到一轮明月高高地挂在空中。
油画美术作品分析范文 第五篇
（一）形成初期
据史料记载，在十四世纪之前，油画还没有产生，人们在作画时采用的是最为简单的“调和法”，“调和”的材料主要是“颜料”“蜡”“动物胶”，有的人则将“颜料”和“蛋黄”搅拌在一起。直到十四世纪末和十五世纪初，荷兰的凡·爱克兄弟充分借鉴了前人的作画经验，并进行了多次的实验，发现了一种新的“调和剂”，即亚麻油、核桃油。用这二者进行油画创作，其优点较多：一是颜料干燥，时间适中；二是颜料干透后牢固性强，色彩相对稳定；三是画面保存期久，在创作油画时也相对便捷。正因为如此，这种“调和剂”瞬间传遍了欧洲各个角落。后来，随着时代的变迁，十六世纪的威尼斯画派人物提香把目光转移到了“色彩”的运用上，注重以“色彩”来表现“形体”，同时，强调了对古典油画中人物内心世界的洞悉和挖掘。在表现手法上，提香没有依赖于“线条”来塑造画面形象，其重点在于依靠“色彩”来表现自己的画中内容，一举促成了欧洲古典油画初期的形成。
（二）发展时期
到了十七世纪，欧洲古典油画取得了迅猛发展的惊人时期，其在各个国家都呈现出了蓬勃发展的繁荣景象。在当时，各国画家都能从自身生活实际出发，从多个角度来深挖欧洲古典油画的文化特质，大大地拓宽了古典油画的题材范围，既提及历史等内容，也包含个人或群体肖像，还涉及风景画和各民族民间风俗画。在绘画技巧上，更是日益成熟，进而形成了不同的欧洲古典油画学术流派。法兰德斯的鲁本斯、荷兰的伦勃朗、西班牙的委拉斯贵支都发展了提香的油画技法，能够熟练地将“素描”与“色彩”进行相结合，且自成油画技艺体系，足以说明其古典油画创作水平的高超。之后，意大利的卡拉瓦乔强化了古典油画的“明暗强度对比”，使油画中的光线更加强烈；西班牙的格列柯采用了凝重的色彩，令各种色彩相互挤压渗透，扑朔迷离，极其富有神秘感；荷兰的伦勃朗注重人物精神状态的展示等，都使欧洲古典油画艺术的发展更上一层楼。
（三）新古典主义时期
从十八世纪开始，欧洲油画进入了新古典主义时期，一直持续到十九世纪初，这股思潮在人类绘画艺术史上留下了辉煌的一页。在当时，欧洲新古典油画以法国古典主义思潮最为流行，曾盛行一时，后来又逐渐地发展成官方学院派艺术，其经典之处在于对“素描感”与“塑造感”的追求。大体上讲，欧洲新古典主义油画旨在深层次地挖掘古典油画艺术的“理想美”，既重视对“古典风格”的追求，又强调“理性”与“自然”的完美结合。在代表人物方面，欧洲新古典主义油画的代表人物是大卫，其贡献尤为突出，而最后一位官方学院派的古典主义大师是安格尔，其作品也受到了世人的喜爱，也为欧洲古典油画艺术划上了完美的句号。
油画美术作品分析范文 第六篇
一、油画语言是画家表达审美情意的一种工具
油画语言的表达的历程即是油画艺术的发展变化。一种艺术语言的转换，在一定程度上影响到人们的思维方式，并进而转变了人们的观察方法和审美理念，从而不同程度地推动了其自身的发展。是画家进行形象思维并把这种思维转化为无声的东西的手段。艺术思维是注入艺术家个性的思维，想法的不同在相当程度上决定着油画表达的个性，所以，一个没有独立思考能力的人，一个不会用自己的眼睛去观察，不会用自己的头脑去认识世界的画家，他的绘画语言最多是熟练和模仿，熟练地陈词滥调和鹦鹉学舌，是画不出优秀的、新颖的、独具个性的作品的。在艺术多元化的世界文化发展的进程中，艺术个性得到了拓展，绘画语言也随之得到了发展，油画语言表达体现了画家个性特质和审美倾向。在语言的运用上，因受不同的因素的影响，而形成的以不同特色的语言形式反映在画面上的特性。最后通过艺术家品性、不同的生活环境在各画家油画创作中的体现也有所不同，就形成了不同风格。事物是画家所存在的这个真是的世界，油画语言是画家的精神追求与情感表达的方式，通过某种艺术语言形式的展现，在油画作品中呈现的油画语言作为审美符号所出现。把客观事物通过油画语言所展现，通过心灵对外界的感性把握，使其具有精神思考与启迪的特点。印象派时期的大师梵高，他的油画作品《麦田与收割者》他试图用色彩去揭示精神，用了很耀眼的金灿灿的黄色来表达收割时人们喜悦的心情。用短而有力的笔触来传递那种收获的情感，在他笔下那强烈的色彩清晰的点旋转运动和夸张的变形的形象作画更生动了表现了他的作画心情和他要表达的情感。
二、艺术个性已经成型的画家
他的绘画语言已经形成了独具风格的艺术特色。艺术风格的形成，除了画家的自身知识素养之外，主要靠平时的生活的积累与艺术的实践，只有这样积累生活，在发现与表现人的思维的时候时，才能认艺术的独特性对于一个画家的重要，包括自己用怎样的绘画语言以表达自己所获取的审美语言又用怎样的方式。当代画家任传文的作品大多冷色调，清雅、静谧，充满童真与性灵的悸动，般若禅意的流贯。《秋声》是早期代表作，此时造型工整细致，但手法已体现出精神性探索。画面上方，一线风筝逸出蓝空，两旁鱼儿般云朵满怀意趣；中间，幽蓝湖水，倒映黄树林，左侧红砖房，前边白褐树，每一笔通灵般描绘细致；一男孩手举纸风车，奔跑于金灿灿路上，这儿时，旋转画布上，竟有莫名喜悦与感动。我认为画家存在的意义是画家不仅仅能够在平凡淡泊的岁月里和司空见惯的事物中唤出某些心灵深处的特别的情感，而更在于他能够在其中发现一种崭新的艺术语言，并不遗余力地去实现它。任传文先生就做到了这一点。他的每一幅画都是一个真实情感以一种与之相吻合的特别形式的袒露，形成了他独具特色的艺术语言。在笔者多年的习画过程中，当然也有自己的看法，要形成自己的绘画语言，也离不开借鉴，模仿为了学步，一旦能独立行走，掌握了方法，就应当抛弃掉。甚至有意回避掉。绘画中的个性不是绝对的以自我为中心，绘画语言也不能特殊很神秘或没人知道。我们所提倡的艺术个性，应与人民大众的审美要求相契合。每一个艺术创作都是时代的产物，都遵循着某种艺术原则，适应人的审美需求。艺术家拿出自己对生活的看法，通过艺术思维转化为绘画语言。绘画语言既是表现对象、表达情感的手段，也是画家和观者审美交流的桥梁。要使画家在思想感情上发生共鸣，进行心与心的交流，这种共鸣和交谈应该是独特的，是积极向上的、健康的、真挚的、高尚的。画家不可能和所用的观者产生共鸣，因为每个人的兴趣爱好，审美，艺术素养，欣赏习惯都是不一样的，画家永远不可能也不必要去追求人人满意的绘画效果，要争取人们热爱生活和艺术的绘画效果。艺术家应该是时代的领航者，他有义务提高和引导观者审美能力和趣味的责任，通过自己的语言传出画者的心声。
三、结语
综上所述，只要你热爱生活，热爱艺术创作，热爱这片土地，永不停歇的去探索属于自己的绘画语言，属于你自己的艺术特色，我相信你一定能画出只属于你自己的独具特色的为人所欢迎的画作。
油画美术作品分析范文 第七篇
与印象派之后画家不同，古典画家基本上都偏向于赞助人完成订件。如果买卖中一方说话不算数，画家就不会再消耗功夫在这方面，毕竟艺术家需要新的订单佣金来支撑生活。一般来说，古典油画大师们留下了没有完成的三种作品：一是处于底稿阶段的状态，如《圣芭芭拉》《Harlequin》和《未完成自画像》；二是画面局部或大多已经接近完成，剩余部分为底稿阶段，或者有的只余下轮廓的底色，像米开朗琪罗未完成木板蛋彩画《曼彻斯特圣母》和《埋葬基督》，以及雨果·凡·德·古斯的《圣母、圣子与圣多默、圣若翰施洗者、圣叶理诺及圣路易》；三是还有一种为已经完成底层绘制，比如，鲁本斯、布鲁盖尔的个别作品。正是因为有了各位大师们未完成的作品，才为我们揭示了大师绘画色层的几种状态。仔细观察欧洲古典大师达·芬奇、米开朗琪罗、扬·凡·艾克、蓬多尔莫、丢勒，直至当代画家xxx和弗洛伊德等画家的未完成之作，都是勾勒处理好基本造型后，然后以局部推进的方式进行深入塑造。例如，在18世纪，德国画家安东·拉斐尔·门斯创作的一个抱着小狗的“贵妇肖像”，其中人物的衣着几乎全部完成，华贵的衣裳也展示得熠熠发光，但是，人物头部才开始进行了基本肤色和光影的刻画，还有人物的“五官”仅仅有隐约朦胧的轮廓，对宠物狗的描绘也只是停留在了勾画好了的外形上面而已。丢勒作品《SalvatorMundi》完成度与之接近，油画中人物衣服的塑造也已经完成，人物脸部和手部以及手部上面的透明球体尚待进一步绘制表层颜色。如果说，这两位画家都是德国画家，二者有着相同的绘画系统，那么现代主义艺术大师xxx的《Harlequin》却也意外地以传统线影法先完成了欧洲古典油画中人物的塑造，也有一部分画家以直抒胸臆的笔法，直接使用油彩，粗略地勾划、铺设色彩，比如，马奈、柯罗、丁托雷托等大师均是如此。不难发现，通过对欧洲古典油画家未完成的作品的直观观察，再透过现代科技手段对古代作品的局部颜料颗粒做显微观察，则可以发现欧洲古典油画大师们绘画手段是以各种手法步步为营、层层铺垫，通过上下色层的主动叠加，进而达到最终画面需要的完美效果。实际上，这些色层的叠加，基本上都是以“三层”“四层”为主，这些色层的叠加大多数也是干燥之后的覆盖，并随着画家技艺的熟练而使一些色层能够趁湿完成。
油画美术作品分析范文 第八篇
欧洲古典油画的技法基本上都呈现出比较单一的倾向，以简约风格为主，采用了两个重要的方法：一是“丹培拉”画法，二是“演变”的直接画法。对于“丹培拉”的画法而言，它可以说是最为古典的油画画法技巧，主要是通过鸡蛋清和但马胶进行融合，即通过间接的手法进行调色。比如，在有色底上提白，以便实现“素描”效果，再进行反复的色彩罩染处理，而到了最后也逐渐出现了直接调色的作画技巧。大体上讲，欧洲古典油画具有四大基本特征：一是“写实”画法的运用，即所画作品的事物与实物基本类似，仅仅依靠“光”和“影像”来稍作修饰；二是“大色块”的色彩表现，即常常采用鲜明的民族风格进行绘画，把关注的重心由对整体的关注转移到了对局部的关注；三是“细致”的笔法运用，即对局部事物呈现的笔触处理非常谨慎，每一笔都极其细致，容易集中“色块”，使色彩在画面上很具有整体感，从而让物象更具有焦聚感，显得更加形象、逼真；四是坚持“以写实为主”的绘一理念，让古典油画创作更加接近现实生活，以此从现实生活中发现艺术，强调了对“真实存在事物”的临摹，不再以“写生油画”为主，开启了欧洲古典油画创作形式的新纪元。从欧洲古典油画的基本特征可以发现，其在有限的技术条件下，所产生的人类智慧是不可估量的，其艺术传承价值也是不言而喻的。
油画美术作品分析范文 第九篇
自小，绘画便是我的一大爱好，它一直伴随着我长大，像一颗种子，早已融入骨血，从未泯灭。
对绘画的喜爱是在一次画展上，素描、油画、水彩、水墨，各色的名家大作，真可以称得上是群英荟萃。看着那一张张油画，写实逼真，就像是真人真物一般，再加上会展里一排排的玻璃、镜面似的地板，灰色的格调让人仿佛觉得在梦中似的。从这头到那头，似乎穿越了时空，虚幻又不令人生畏。从那时开始，我就对写实画产生了一种喜爱。
后来我到处寻找关于绘画的书报杂志，记住上边的技法。各种画法都接触过一点：素描的光影变化，水墨的写意渲染，油画的栩栩如生，水彩的炫彩渐变都让我产生了七彩斑斓的联想，快乐而满足。我发现动画片里的一些人物身形修长，高挑得夸张却也很好看，于是我也在自己的画里运用了这种方法，渐渐的也找出一些门道。所以，到现在我还会搜罗好看的动漫，从中学习眼、手等难点的画法。结果，慢慢的画风就改变了，成了卡通、漫画的风格。
但是对于绘画艺术，我其实只是个半吊子，还有很多不理解。特别是看过十八十九世纪甚至更早以前的一些抽象派和印象派作品之后，就更加疑惑，觉得这样一幅并不好看的作品，怎能受到世人瞻仰呢？难道只是因为它们出自大师之手？其中有一幅让我尤其难以接受：只是在一匹白画布上泼洒各色墨水而已，根本找不到手绘的痕迹。后来明白了它们的含义、构图与历史背景以后就不那么排斥了。看似简单，实则复杂。
好的作品不仅让人心旷神怡，还能让人心生敬畏。上次在博物馆展览时看到一幅车窗上水滴的素描，刚开始以为是黑白照片，看了介绍以后，我简直想跪下来顶礼膜拜了！还有一幅水墨的松鼠，好像真的一样！中国画也能这么真实？我有些不敢相信。
对于绘画的着迷，自幼就嵌在了我心里，我从不后悔我的选择，而且我一定会一直着迷下去。
油画美术作品分析范文 第十篇
在这个世界里，在我们的关于油画创作感想生活中，良多美妙的声音是我们听到的，但是也有良多声音是我们看到的，想像到的，我画的花卉就是我看到的美妙的声音，这些声音让我感觉到生命的语言，所以我禁不住把这样美妙的声音，无比动人的花语用色彩摆放在我的画布上，任凭涌动的心绪通过画笔、刮刀在画布上横涂竖抹。刀迹、笔痕交替游走，从构图到着色，从画面色层衔接到笔触变化，倘若间或有几笔似灵光闪现正合胸臆，心中便升腾起无边的快乐。
我会努力把喜爱的画家笔意带入，由于深知脱离前辈的积累乃无水之源。我喜欢对比色，柠檬黄加白的辉煌夺目，熟褐加土黄的沉稳而不失强烈热闹——这样的画面响亮打眼。我又会试图把每一幅作品拉开色调，争取给人以不同视觉感慨感染。刮刀是我的重要“武器”，我的画面中大部门竟会依赖它来完成。笔法的丰硕会让画面增色不少，追求多方向的笔触变化，画画对我来说是一种精神旅行，是件快乐的事。好与坏，只要真诚表达就行。
我热爱油画创作，喜欢以印象派表现手法来体现我的画风，那些沐浴在光线中的天然景色和光与色在瞬间相遇的感觉深深的吸引着我，我将尽可能的把这种瞬间感觉经验转化为感情状态。
我画花卉的时候感觉到，每一种花草都有自己的语言，都有自己的性格。花开花落都是诗一般的感觉，不管是娇艳迷人具有诱惑力的xxx花仍是出于淤泥而不染的荷花或是具有顽强生命力的格桑花，芦苇花，它们都用生命的语言诉说着自己的故事。我想画的不仅仅是花卉，人物，动物，风景等油画作品，而是但愿能把我看到，感慨感染到的各种可以表达思惟的声音用绘画的语言表现出来。我以为无声的语言是最丰硕的，由于它赋予我们无限无尽的想像空间。人的思惟是自由的，艺术发展没有底线，艺术的美与丑都因各个的赏识角度而不同。大芬村
糊口中我们所见的事物有太多次的打动，每一次另我们打动的事物我们都会用不同的方式把它们记实下来，我庆幸自己能用绘画的方式来表达思惟，也不断的在学习，巩固这项技能，但愿能更清晰的把绘画的思惟和语言传递给观赏者。我喜欢旅行，想在良多锦绣的地方都留下自己的足迹，想采摘更多的美景，更多美妙的感觉，让这些锦绣停留在我的画面上与热爱它们的人们共同分享，这该是我想不停的运用不同色彩和绘画方法在油画布上涂抹摆放的目的。艺术是人道的天然的流露，绘画作品是有感而生的产物，我所要达到的画面效
油画美术作品分析范文 第十一篇
（一）画面构图 每一件优越美术作品，无论是油画、水墨画、水彩画、胶彩 画或相片，其先决条件必是「构图」。一张油画在创作前必 须拟设特殊「美感」、具有风格之景象做为创作之意境。而 画面上之「构图」应重视前景、中景、后景、（或上、中、 下之分）之层次表达。画面整体联系、以及每部为之相互关 系，调配是重要条件。
（二）色彩观念 色调以光线明暗、彩度之强弱为油画之生命，一张完美的油 画作品，必然其色调之表现、颜色之彩度、光线之明暗，均 赖以彩色运作之变化无穷，以彩度魅力呈现于画布上，更能 显示出画家的崇高理念。因此在整体画面上必须顾虑到每处 部位，色与色之间运作，高彩度画面，充满了作品本身之生 命力与活跃气息。 所以一张完整油画，必须有计划性，多次在原画面上做其色 调配运作，才能呈现其色调运作效果。
（三） 适当之绘画技巧运作 一张油画作品，除了能以完整构图，即相称之配色及强烈彩 度外，需注意到画家下笔之粗、细，广层面之处理、细线条 之力向运作；熟练之笔触，能控制整张画面。融合于作品中， 表达「优美」、之感。此及美术创作最高境界。（依赖作画 经验陶冶出来）往往有些画家为求作品之质性，偶而以画刀、 精笔、细笔、松笔等巧妙技术之描画、或重点毅力之强调， 助长了其作品之特征。又以彩度之变化层次，彩色间交互配 作，让画面更呈显出高雅之感。
（五） 作品须「有感情」、「有爱」 当我们欣赏油画作品中，会产生爱慕之意、亲切感与热情， 并真正流露出「真」、「善」、「美」的意境，自然回归人 类爱美的天性。虽然画家以表达自己创作心意而经过多方运 作呈现作品，但倘若其作品让大众共同感到厌恶，就是画家 技巧再好，也未必能被接受。因此笔者认为一优秀作品必须 要有「爱」有「感情」。相信画家本身必能与自己的作品「相 恋」、「拥抱」，欣赏者也必然从画中分享到其境真正爱与 感性之意味，正是一件乐趣的最高享受。 综合上列数点作画过程，年轻时经过许多师长教导、以及长 期观摩古今中外名作，并以自己五十年作画心得领悟到的浅 见。最后笔者愿以一般平常人所最容易接触的大自然为我们 创作与欣赏最佳景象作介绍，因为大自然充满了「美」、「生 命」、「活力」、「万物景观」，是最活生生的绘画题材， 更是人类无穷的宝藏。我应该珍惜爱护这个大环境，更希望 它永垂不朽。
油画美术作品分析范文 第十二篇
一、写实油画中的素描流派
（一）古典主义素描
提到素描就不能不说古典主义素描。古典主义绘画在题材上追求内容丰富，精神崇高，形式庄重，努力使作品产生一种古代的静穆而严峻的美，强调精确的素描技术和柔妙的明暗色调。这种作品主要是以文艺复兴和18、19世纪的法国素描作品为主。意大利文艺复兴时期的三杰达•芬奇、xxx、拉斐尔成为了古典主义素描的杰出代表。达•芬奇主张绘画要“忠实于自然，倾向于自然中的对象”，他的素描造型结构严谨，线条刚柔相济，善于利用疏密程度不同的斜线，讲究明暗与线的融合，表现光线的微妙变化，体现出理性与感性的统一，表现了人文主义的精神气质。拉斐尔的画以“秀美”著称，画中的人物清秀，场景祥和。xxx的素描在造型上注重力量、饱满和激情，并富有强烈的动感，他的线条雄壮有力，形体结构鲜明，其作品是写实主义与浪漫主义相结合的产物。他画的人物以“健美”著称。古典主义素描画派对写实油画艺术创作做出了卓越的贡献，极大地推动了素描艺术的发展。
（二）浪漫主义素描
浪漫主义素描在素描领域也占有重要的地位，这个艺术流派起源于19世纪初法国资产阶级民主革命时期，他们摆脱了当时学院派和古典主义的羁绊，他们的创作题材取自现实生活，用夸张的手法来塑造形象。浪漫主义素描和当时的资产阶级民主革命所宣扬的肯定人的精神价值、解放人的个性、尊重民众的人权等思想不谋而合。可以说浪漫主义素描是资产阶级民主革命的一种产物，这种产物也极大地推动了资产阶级民主革命的进行。浪漫主义在绘画上主张作品必须具有个性、特征和情感。浪漫主义的绘画家中杰出的代表籍里柯一生都追求以现实为题材，热情浪漫地来体现新的主题思想。他的作品《梅杜萨之筏》深刻体现出了一种浪漫主义的精神和色彩。浪漫主义另外一个杰出的代表是德拉克洛瓦，德拉克洛瓦对素描艺术形式的发展做出了非常重要的贡献，他探索出的激烈运动的线条和笔法成为了素描艺术重要的表现手段和方法
（三）现实主义素描
现实主义素描伴随着法国1848年革命产生的现实派的出现而产生。现实主义素描作品主张要客观观察、认识社会和自然，深刻地去反映人民大众的生活特质和时代的特征，研究社会中的真善美。其代表人物有米勒、库尔贝，其代表作是米勒的《拾穗者》、库尔贝的《奥尔南的葬礼》等。这些作品共有的特征是以真实的生活为其艺术创作的原则，显示出了艺术家自信的性格和反抗的精神。
（四）印象主义素描
印象派素描在19世纪产生于法国。它的主要特点可以整体地概括为三点：1，主张根据太阳呈现的光谱颜色去反映自然间的瞬间印象；2，表现手法更加自然随性；3，题材和运用材料更加丰富，追求捕捉瞬息多变的大自然。印象主义的主要代表有毕沙罗、莫奈、马奈。其中印象派的代表作品有毕沙罗的《塞纳河和卢浮宫》、莫奈的《日出印象》、马奈的《草地上的午餐》等。（五）现代主义素描20世纪的西方素描被称为现代派素描，它是伴随着第二次工业革命产生的。二次工业革命标志着西方进入垄断资本主义，现代派素描也不可避免地反映了这个时代的经济、政治和精神文化的重要变革，反映了这个时代人们复杂丰富的思想感情和极为深刻的哲学思考。现代派是立体派、新印象派、抽象派、野兽派、超现实派等艺术流派的统称，与现代社会的进程紧密相连，它标志着一个绘画新时期的真正到来。现代主义的审美意识有着复杂的倾向，它的主要特点表现在立体派和抽象派的作品上。以xxx和布拉克为代表的立体派有意地追求狂乱粗野，注重面和体的表现，不受时间和空间的限制，把自然物体穿越时间和空间有机地组合在一起，使在同一幅画上出现多个画面。抽象派的代表人物培根和杜布菲以下意识的幻觉来表现他们的思想和作品的内涵。他们的作品摈弃了客观世界的物体，但他们表达的主题和思想是一种升华了的现实中具有的主题和思想，只是他们极大限度的糊涂和混乱必须具有很高的艺术修养才能够领悟到其作品的精华。现代派素描和现代派艺术的出现，促进了绘画艺术朝向多样化的形式发展，这种多样化发展也是艺术发展的一个必然趋势，但是如何使自己本身的这种艺术得到持久的发展是写实派画家必须认真思考的一个问题。
二、素描在写实油画创作中的空间作用
西方最早的油画家有着这样最原始的观念：人站立在大地上，以自己为中心，使用眼睛，直接感受到物象。这种观察自然的方法可以理解成定点透视法。文艺复兴时期的意大利油画完善了定点透视法。定点透视法可以简单地这么理解：它为自然再现找到了一个基本的框架，这个框架可以给人的思维注入实实在在的物体，人们可以通过这个实在的物体来更加地完善使之立体地呈现在平面上。而素描恰好是定点透视法的一种体现，首先让观察者能够对所画的东西有种整体的把握，首先能够形成一个框架，再在上面增加绘画的技巧则能够让人具有强烈的立体感。素描是写实油画的骨架，是写实油画艺术创作的基础，因为在写实油画中充分运用素描的基本规律能够很好地表达空间，创造极好的效果。我们首先来了解什么是写实油画。写实油画在艺术形态上属于具象艺术，是绘画的一种表现技巧。艺术家通过对外部物象的观察和描绘，自身亲历的感受和理解而再现外界的物象，而写实油画要解决的一个问题就是三维的现实对象在平面上的空间转移。中国的写实油画是从20世纪20年代开始的，写实油画在中国的画坛中占有重要的一席之地。那么素描对于写实油画到底起到了什么作用呢？素描对于写实油画最主要的作用就是能够为写实油画描绘出三维的空间。空间可以分为二维空间和三维空间两种。早期的绘画主要以平面的二维空间为主，但这种作品不具有立体感和层次感，不能够生动地表现出现实的实物。但是素描凭借多变的线条就让这种二维的平面能够呈现出三维的效果。我们不难看出，在写实油画艺术创作中，将现实空间中的物体转换到平面上，是其基本功能。素描对于写实油画家来说非常重要，素描不但能够使写实油画家在心底形成一种空间的概念，而且他们大量的素描练习能够使他们脑中形成的那种立体感在他们的平面作品上得到很好的空间立体表现，产生一种震撼人心的效果。
三、素描对写实油画的影响
素描对油画的影响主要体现在两个方面。首先，素描水平的高低制约了油画艺术家的发展。素描的技法越成熟创作出来的油画越具有艺术价值。对于每一位艺术家来说，素描是他们作画最基础的技巧，素描水平的高低能够明显地体现出画家的功底和艺术修养。所以对于艺术家来说，素描是他们必须牢牢掌握的一门技巧。其次，目前素描对写实油画发展状况的影响。在中国的艺术领域，很多人都把素描这一重要环节给忽视了，素描功底的不足导致中国很难出现一大批优秀的油画作家和一些具有内涵的优秀作品，这也是中国和欧美国家在油画创作领域具有差异的根本原因。所以我们在进行油画创作过程中不仅要选好有深度有影响的题材，我们更应该用素描把我们的思想和创作的精神和意图表现出来，油画和素描相结合才能够达到完美的效果，才能够使油画艺术创作展现出艺术的魅力。
四、结语
素描与油画艺术创作密不可分，素描是油画创作的基础和本质，素描在雕刻和建筑方面也起着重要的作用。在本文中首先让读者对素描有了大概的了解，然后通过素描的一些主要流派来讲解素描的一些基本技巧和特点，文章最后探讨了素描在油画创作过程中所起到的作用和对油画创作和发展的影响。通过本文我们可以看出素描创作确实能够反映艺术的内在规律，给我们直接提供艺术之美的享受。
油画美术作品分析范文 第十三篇
（一）油画的选材
欧洲古典油画的艺术魅力在于其艺术表现的独特性，其中，一个明显的艺术表现在油画的选材方面。一般来说，欧洲古典油画注重整个画面的“明度对比”，以至于“色彩”的运用相对单一，主要以“素描”为中心，“色彩”为辅，确保整个形体看起来比较“真实”。在具体的绘画过程中，古典画家经常会采用“明调”与“暗调”相结合的手法，以此实现古典油画创作的“整体性”效果。正因为其选材独特，使中国现代油画也在很大程度上借鉴了其绘画色调的一些创作特色。比如，《蓝衣少女》就以“欧洲古典油画”的形式进行作画，侧光层次感强，同时，带有一定的厚重感，运用“树叶”来陪衬整体画面效果。这样一来，可以让观众看到以拉斐尔为代表的前派古典油画创作的影子。
（二）油画的构图
与中国油画艺术不同，欧洲古典油画创作注重“构图”的含蓄性，强调了对人物姿态的合理构造。大体上讲，欧洲古典油画在构图方面呈现出了“沉稳”的基调，形成了“金字塔式”的构图，总是能向观众展示出以“正侧面半身坐姿”为主的画面人物动态。从欧洲古典油画的构图形式来讲，着重强调了对人物的“脸部”“胸部”“手”等的描绘，同时，在画面结构上做好布置好色彩，突出色块的独特性，以便让整个油画的结构给人带来一种“主次分明”的感觉。例如，在欧洲古典油画作品《蒙娜丽莎》中，就是采用这样的油画构图艺术表现方法，才使画中的人物形象更富有活力，给人带来一种无比美的视觉感，可以说，“空气透视法”是《蒙娜丽莎》独特的画面塑造技巧。
（三）颜色的穿插
欧洲古典油画的艺术表现在色彩运用上也十分突出，尤其是在罩染过程中对颜色的穿插显得格外成功。在颜色的穿插方面，强调了色彩不能单独地形成画面效果，而要与其他色彩联系起来，相互映衬，共同突出油画作品的色彩表达效果。例如，在欧洲古典油画的底层涂罩时，其颜色要擦入笔触，往往通过底层肌理的起伏来填入颜色，最终目标是为了形成“相互交织”的颜色变色格调。实际上，这种色彩也被称之为“色垢”，是伦勃朗的古典油画创作技巧的重要特色，该技巧强调了绘画人员要擅长使用“软布”“海绵”“手”等辅助物来擦色、抹色和揉色。值得注意的是，罩染时，不可填入“白色”，原因是一旦填入“白色”，就会让色彩丧失透明度。
（四）画面的保护
当然，一幅古典油画作品的成功完成，耗尽了画家的许多心血，确实是一件不容易的事情，这就要求做好油画画面的保护工作。其实，欧洲古典油画的画面保护也呈现出了自身独有的艺术表现力，最早是通过“干性油”来保护画面，其效果在于能让画面更富有光泽，增强其鲜明度。后来，随着社会的发展，欧洲古典油画画家则开始使用“相互融合的颜料”，即“油料”与“颜料”混为一体，然后，在画面底子上作画。最为重要的是，“干性油”的保护法丰富了欧洲古典油画画家的创作技法，以至于形成了“透明”与“半透明”的画法都离不开“油料”的配合，这些都是保护欧洲古典油画画面的重要艺术技法。
油画美术作品分析范文 第十四篇
在艺术创作的道路上，探索适合于自己特点的风格是不言而喻的事。我常常是对自己尝试性的作品充满兴趣，却又不时地怀疑和否定。探索，否定，再探索，这样反复地进行着。从生活中搜集创作素材是创作的原则。回忆起过去许多年里，常常是带着一个概念下去，带着一些为概念搜集的素材回来。把自己的感情管制起来，这样就无心去感受生活中的美。带着一把感受以外的尺子，在生活中量来量去，要发现可画的题材实在比沙里淘金还困难。
去年秋天，我横穿了几千里的锡林郭勒大草原，通常认为这地区是内蒙古牧区的典型。这里没有高压线，没有电灯，没有电视机??生活是流动的。然而，正是在这些并不先进的生活中，普遍存在着的形象和它们呈现出的色彩，构成了草原上特有的美。空旷的天然牧场，多变的景象，质朴憨厚的牧民，古老的蒙古包，牲口拉着生活必需品的各种车辆，乘骑的马、挤奶的牛，平凡的劳动场景以及牧民们淳朴而真挚的情感??。我怀着由衷的兴趣和激动心情，画出了一批作品。
生活中的美往往是具有很强的吸引力的，每个画家对生活都会有一定的偏爱，形成这种偏爱是有多种原因的。除了客观条件提供的可能性外，画家的情感和各种修养形成的感受能力也是重要因素。喜好和表现方式也因人而异。从离开美术学院走上工作岗位时起，我就开始在艺术创作中有意识地从我们民族文化中吸收营养。油画引进后，要成为中国的油画，这个问题是一个由来已久的议题了。其实，我觉得争论的意义远不如实践更实际些。
我曾经想从年画中吸取点东西。建军五十年时那幅《讲形势》就是这种尝试。整个画面减弱了光的影响，色彩更纯一点，运用了许多装饰图案。建国三十年美展的《牧马人》也是一种尝试，主要是运用了一些有变化的线，色彩上用了较淡的、弱的对比，这样好突出线。有挤压出的线，勾出的线，粗笔逆锋推出的线，刮刀抹出的线。后来，试着在风景画中吸收大写意的韵致和对形的认识与处理方法，想画得有点神、意。但中国画中那种意到笔不到的情趣总是出不来，画人就更棘手了，画面上的素描稿，用颜色画起来就填上框子了。回想起过去看过老国画家们的花鸟、山水写意画的作画过程，觉得他们对所描绘对象的形与神是吃透了的，下笔的时候，不是表面上看到的从无到有的过程，而是胸有成竹，然后落笔成形，以形写神。每个局部之间都是有机地联系着的，都服从一个总的神韵和节奏的要求。在这总的要求下，这种笔味墨趣也自然能运用得当了。另一个特点是不离开表现对象而搞笔墨趣味。每放一笔，是笔墨，也是形的一部分。油画如能吸收这种技艺，并结合油画的色彩造型，也许会出现新的面貌。
大量地连续地作画，对我的实践很有好处。不断地画，不断地思考，随时调整自己的画法，随时补充一些新的设想，随时试验。首先，很认真地推敲素描的小草图，把画面的构图安排，人物的形象特征、神情、动态都考虑成熟，再设计色彩关系等，当一切都做到心中有数后，动油画刷子就大胆了，也主动了。这次的人物画《春》、《隔代人》、《奶桶与姑娘》，就是这种尝试性的作品。
为了使画的对象更朴实、更粗犷一些，我从民间木版水印画（灶王爷、门神等）和泥娃娃之类民间工艺品中借鉴涂色办法，许多人物画上都有这种痕迹。《姐妹》一画的用色追求感觉上的饱满，巧合了民间“黄、红、绿、桂（品紫）”的色彩组合习惯。两个小姑娘的腰带、头巾正好是这四种颜色，其它都是纯白与灰。当然那四种有纯色感觉的颜色是经过调配的，这样就有点乡土气了。
这些尝试是二十年前学习的继续，六十年代初的油画研究班的教学，培养了学员们探索的风气。我愿意继续从生活中汲取灵感和不断地进行探索。
